Purtroppo - te lo devo dire - è una aspettativa tanto naturale quanto illusoria. Ciononostante tutti hanno provato quel fastidio che nasce quando la spontaneità pura si scontra con la necessità di confrontarsi con la rigidità delle regole.

La dura realtà è che non si scappa: bisogna cambiare punto di vista e smetterla di vedere la tecnica come una gabbia per iniziare a vederla per quello che in realtà è: l’unico strumento in grado di dare voce vera alla nostra voglia di esprimerci.

Molti hanno pensato di cercare una scorciatoia affidandosi al “dono” o all’impulso del momento, magari temendo che un po’ di disciplina inaridisca la “vena artistica” o il loro “stile personale”. Ma l’esperienza ci dice una cosa diversa: un segno tracciato senza consapevolezza, lasciando che la grafite o il pennello corrano senza controllo, non è mai libertà artistica. Se è la mano a prendere il controllo e ad agire solo per abitudine meccanica, non sei più tu a decidere. Ti trovi in balia del caso, non alla tua visione.

L’atto del comporre, del far nascere qualcosa, esige un’impalcatura solida. Un ordine che però non deve mai soffocare l’inatteso che arriva mentre muovi il pennello. Il tuo talento e la tua energia sono pura forza, un cavallo lanciato al galoppo. E tu sei il cavaliere: spetta a te guidare e indirizzare quella forza. Questo si fa con lo studio e con il controllo.

Proporzioni, angoli, chiaroscuro: questa è la grammatica visiva del creare. All’inizio serve diligenza e lentezza per conquistare la vera fluidità. Ma quando hai praticato abbastanza, tutto si fonde in modo naturale nel gesto. Comprendere fino in fondo le leggi della forma non è rigidità: è la cosa che ti libera dall’incertezza e dall’esitazione davanti allo spazio bianco.

E c’è un punto cruciale. L’istinto ha bisogno di attrito per non perdersi. L’arte ti chiede di accettare la pressione e le limitazioni. Se hai infinite opzioni, la tua attenzione si spegne. Ma se accetti il rigore che impone il mezzo, se senti il rischio di ogni tratto incisivo, la tua inventiva si affila. E diventa precisa.

L’equilibrio è qui: quando la tecnica non è più un calcolo freddo, ma diventa il tuo vocabolario silenzioso. Permette al tuo occhio e alla tua mano di muoversi all’unisono.

Se vuoi allenare questa integrazione tra struttura mentale e libertà del segno, ti aspetto con le lezioni di pratica deliberata sulla nostra mailing list “Il Gioco dell’Artista” su Substack: ilgiocodellartista.substack.com. Se invece vuoi mostrare i tuoi progressi in questo bilanciamento, condividi pure i tuoi fogli nel gruppo Facebook: Gruppo Facebook: Il Gioco dell’Artista.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista“. Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

“Quale metodo devo seguire?”

È una domanda legittima. Ed è anche la domanda sbagliata.

Perché Loomis, Reilly e Bargue non sono tre risposte diverse alla stessa domanda. Sono tre domande diverse che finiscono sullo stesso foglio.

Lascia che ti spieghi cosa intendo — con le mani, non con la filosofia.

Il primo segno dice tutto

I tre metodi di disegno (Bargue, Loomis e Reilly) iniziano con un gesto fondamentale che ne definisce l’intenzione:

• Bargue comincia con quattro punti che formano un rettangolo per definire l’ingombro e la posizione della figura sul foglio.

• Loomis traccia immediatamente una sfera con meridiani per stabilire il volume tridimensionale della testa.

• Reilly inizia con un ovale e una linea continua che segue la curva del corpo per catturare il movimento e il ritmo della figura.

Bargue

Quando Bargue — o meglio, la tradizione atelieristica che da lui discende — mette la matita sul foglio, il primo gesto è questo: quattro punti. Il più alto, il più basso, il più a sinistra, il più a destra. Poi quattro rette che li uniscono.

Un rettangolo.

La figura non esiste ancora. Esiste solo il suo ingombro nello spazio del foglio.

Prova ad esercitarti con questo:

Loomis

Loomis invece traccia una sfera. Subito. Una forma che già vive nello spazio tridimensionale, con una linea verticale curva e una orizzontale che le girano intorno come meridiani su un mappamondo.

Prova questo esercizio

Reilly

Reilly traccia un ovale e non si ferma. Continua, scende lungo il collo, gira sulla spalla, percorre la colonna, arriva all’anca — tutto in un gesto solo, quasi senza sollevare la matita.

Prova questo esercizio

Prendi delle foto di teste, appoggia su di essa un foglio di carta da lucido e cerca le linee che sono vedi nell’immagine qui sotto

Tre primi segni. Tre intenzioni completamente diverse.

Bargue vuole prima sapere dove sta la figura. Loomis vuole subito sapere che volume ha. Reilly vuole sapere come si muove.

La gomma come spia

C’è un modo semplice per capire cosa sta succedendo su un foglio: guarda quanto lavora la gomma.

Nel metodo Bargue, la gomma è uno strumento di lavoro come la matita. Le linee rette del blocking vengono cancellate sistematicamente, prima di passare alle curve. Il foglio a metà lavoro è più pulito di quello all’inizio. Ogni fase lascia il campo libero alla successiva.

Con Loomis, la gomma entra quando serve — né troppo né troppo poco. Le forme geometriche rimangono sotto il contorno finale come un’impalcatura parzialmente visibile. Non è ordine, non è caos: è stratificazione.

Con Reilly, la gomma quasi non esiste. Le linee di ritmo iniziali restano lì, integrate nel disegno finale. Il foglio accumula segni. Se guardi un disegno Reilly a metà processo, vedi già la storia di come è nato.

Questo non è un dettaglio estetico. Cambia fisicamente come tieni la matita, come muovi il polso, quanto spesso ti fermi.

Curvo o spigoloso: una scelta di gesto

Prova a fare questo adesso, anche senza un riferimento davanti.

Traccia una linea retta di 5 cm. Poi traccia una curva a S della stessa lunghezza.

Hai appena sentito la differenza. La retta chiede un gesto corto, fermo, direzionato — il gomito si blocca, il polso guida. La curva chiede un gesto ampio, il gomito si apre, la spalla partecipa.

Bargue ti allena a usare il primo gesto nella fase di costruzione. Reilly ti allena a usare il secondo fin dal primo segno. Loomis li alterna: rette per gli assi e le divisioni modulari, curve per i volumi.

Non c’è un gesto giusto e uno sbagliato. C’è il gesto che serve in questo momento del disegno.

Il punto di arresto

Esiste una differenza pratica che non viene quasi mai nominata, e che invece cambia tutto per chi sta imparando.

Bargue ha un punto di arresto codificato: finito il blocking, prima di ammorbidire le curve, ti fermi. Stacchi fisicamente dal foglio. Riprendi la matita a braccio teso, ricontrolli ogni punto della costruzione angolosa. Solo dopo procedi.

È un momento di pausa costruito nel metodo. Un respiro obbligatorio.

Reilly non ha questo momento. La correzione è continua, integrata nel flusso — ogni linea di ritmo successiva aggiusta quella precedente. Non c’è un “adesso verifico”: o impari a valutare mentre il gesto è ancora in corso, o gli errori si moltiplicano sotto i tuoi occhi senza che tu abbia un punto naturale dove intervenire.

Per chi è agli inizi, questo è concreto: il metodo Bargue ti offre un appiglio esplicito. Il metodo Reilly richiede un’autocorrezione simultanea che si sviluppa solo con l’esperienza accumulata.

Non è che uno sia più facile dell’altro in assoluto. È che uno ti dà una scala con i pioli, l’altro ti chiede di arrampicarti su una parete liscia sentendo la roccia con le dita.

Allora: da dove si comincia?

Se non hai mai costruito una figura partendo da zero, comincia da Bargue. Non perché sia il metodo “migliore” — questa parola non ha senso in bottega. Ma perché il blocking-in ti dà qualcosa di prezioso: un momento fisico in cui puoi fermarti, guardare, correggere prima che l’errore si stratifichi.

Quando sai già dove stai mettendo i punti e le linee rette non ti spaventano più, allora prendi Loomis. Aggiungi il volume. Impara a vedere la testa come una sfera con due meridiani, il torso come un blocco che si torce, le gambe come cilindri che si piegano.

Quando il volume c’è — quando lo senti mentre disegni, non solo quando lo guardi — allora apri Reilly. Lascia che la mano segua il ritmo interno della figura. A quel punto le linee curve del primo gesto non saranno più una scommessa: saranno la conseguenza naturale di quello che l’occhio ha già capito.

Tre metodi. Una sequenza.

Non devi scegliere. Devi attraversarli nell’ordine giusto.

Se vuoi mettere le mani in pasta su questi tre metodi con esercizi pratici e progressivi, passa dal Gioco dell’Artista — lì la bottega di Alessandro Pedroni è aperta.

Al lavoro!

Loomis, Reilly e Bargue non sono risposte diverse, ma una sequenza per la tua crescita. La differenza è nel primo segno: Bargue cerca l’ingombro angoloso per la verifica, Loomis il volume sferico, Reilly il ritmo continuo. Smettetela di studiarli a pezzi. La corretta pratica è in un percorso che ti insegna prima a fermarti e correggere (Bargue), poi ad aggiungere la massa (Loomis) e infine a far danzare il segno (Reilly). Passa dalla teoria al foglio.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Ma se provassimo a ribaltare la prospettiva?

Se il disegno non fosse il fine, ma il mezzo?

Ho riflettuto su un approccio didattico molto interessante, portato avanti nei musei come Capodimonte: il disegno come strumento per “guardare”.

Quando visitiamo una mostra o osserviamo un paesaggio, spesso il nostro sguardo è rapido, scivola sulla superficie delle cose. “Ah, bella quella statua”, “Che bel tramonto”. E passiamo oltre. Abbiamo visto, ma non abbiamo guardato.

Il disegno ci costringe a rallentare.

Nel momento in cui devi tracciare una linea che corrisponde al profilo di un volto o alla curva di un vaso, il tuo occhio è costretto a percorrere quella forma, a capirne il peso, la direzione, la tensione.

Non stai copiando. Stai toccando con gli occhi.

Ecco perché, nei nostri corsi

, insistiamo tanto sull’osservazione. Perché una mano educata senza un occhio educato è solo una stampante meccanica.

Ecco tre esercizi di “Sguardo Attivo” per la tua settimana. L’obiettivo qui non è fare un bel disegno (può venire orribile, non importa), ma scoprire cose che a occhio nudo ti erano sfuggite.

1. Il Divieto di Cancellare (L’Accettazione)

Prendi un foglio e una penna (o un pennarello). Niente matita, niente gomma.

Scegli un soggetto complesso: un groviglio di radici, le tue scarpe, una statuetta.

Inizia a disegnare. Se sbagli una linea, non cancellarla. Lasciala lì. E traccia quella “giusta” accanto. O sopra.

La gomma è una finzione: cancella la storia del tuo sguardo. Vedere tutte le linee “sbagliate” alla fine ti mostrerà il percorso che il tuo occhio ha fatto per trovare la forma vera. Il disegno finale vibrerà di tutti i tentativi fatti. Sarà vivo.

Guarda una dimostrazione:

2. Il Disegno Tattile (La Sincronia)

Metti un oggetto davanti a te. Posiziona la matita sul foglio.

Ora, immagina che la punta della tua matita stia fisicamente toccando l’oggetto reale, non la carta.

Muovi l’occhio lentamente lungo i contorni dell’oggetto e muovi la mano esattamente alla stessa velocità. Non guardare il foglio. Guarda solo l’oggetto.

Se l’occhio sale, la mano sale. Se l’occhio si ferma su una piega, la mano si ferma.

Il risultato sul foglio sarà probabilmente sproporzionato, strano. Ma avrai “sentito” la forma come mai prima d’ora.

In questo video c’è una dimostrazione:

3. Ricalcare le Decisioni (Lo Studio)

Prendi la riproduzione di un disegno di un grande maestro (Michelangelo, Degas, o anche un contemporaneo che ammiri).

Non copiarlo per farne una replica esatta.

Cerca di rifare i suoi segni alla stessa velocità con cui pensi li abbia fatti lui. Quel tratteggio è stato lento e meditato o veloce e rabbioso? Quella linea è continua o spezzata?

Non stai copiando l’immagine, stai cercando di “ricalcare” il pensiero e il gesto dell’artista. Stai guardando come lui ha guardato.

Ricorda: non disegniamo per produrre immagini. Disegniamo per capire la realtà.

Ecco una bella dimostrazione:

Adesso disegnate, ma spegnete la fotocopiatrice che avete in testa!

L’equivoco è banale: crediamo che il disegno sia l’output, quando invece è un mezzo di indagine, un martello per sfondare la superficie delle cose. Quella statua, quel paesaggio, le radici contorte: il vostro occhio ci è scivolato sopra. La matita vi obbliga a fermarvi, a rallentare, a sentire la forma. Lasciate la gomma, è solo una finzione, una paura da superare. Provate il disegno tattile e ricalcate il pensiero del Maestro. Non dovete copiare, dovete guardare a fondo.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Quando devi disegnare dal vero, è importante che tu ti prenda il tempo necessario per osservare con attenzione il tuo soggetto o la composizione di oggetti che hai scelto come modello, questo ti aiuterà a disegnare ciò che effettivamente vedi piuttosto che quello che credi di vedere. dopo aver osservato bene la composizione, i suoi vari elementi e le relazioni che esistono tra di loro, è bene prendere qualche misura, individuare le forme negative gli angoli e gli allineamenti per ottenere una rappresentazione precisa.

Per prendere una misura di riferimento puoi usare la matita ed il tuo pollice: prova a tenere la punta della matita su uno dei bordi dell’oggetto da misurare e a far scorrere il pollice sulla matita fino a che non collima con l’altro lato (vedi la foto a fianco).

Puoi scegliere una qualsiasi delle misure che prendi con questo metodo e usarla come unità di misura per misurare il resto degli elementi della composizione.

Una volta individuati i rapporti proporzionali fra gli elementi del tuo modello puoi applicare queste informazioni al disegno.

Per esempio per capire le proporzioni della pera nella illustrazione puoi prendere la larghezza della pera e confrontarla con la sua altezza.

In questo modo potrai constatare che la pera è alta una volta e un quarto la sua larghezza e potrai riportare questa proporzione sul tuo disegno.

Non è necessario riportare sul disegno la misura che è stata presa sul modello, quello che ti interessa è la proporzione tra la prima e la seconda misura.

Usando questa strategia la gestione delle proporzioni sarà più versatile e potrai disegnare in modo più fluido.

Quando prendi le misure il tuo braccio deve essere ben steso, in questo modo non rischi di perdere le proporzioni perché le due misure da confrontare son prese alla stessa scala.

Una volta individuata una misura facile da individuare o importante perché presa sul soggetto principale, puoi usare quella come unità di misura per misurare in proporzione tutte gli altri elementi ed anche lo spazio tra i vari oggetti.

Controlla le misure degli spazi negativi usando l’unità di misura che hai scelto e controlla sul tuo disegno che le proporzioni corrispondano.

Controlla le forme negative:

Le forme negative ti aiuteranno a ottenere delle relazioni proporzionali accurate tra i componenti della composizione.

Controlla gli angoli:

Usa la matita come un regolo per misurare gli angoli su cui sono inclinati gli oggetti o di una serie di elementi. Prese queste misure puoi controllare che sul tuo disegno che gli angoli corrispondano.

Tendiamo a vedere e quindi disegnare angoli molto più tendenti alla verticale o alla linea orizzontale rispetto a quello che sono in realtà. Disegnare angolazioni corrette è importante per le proporzioni, le relazioni e la costruzione della giusta composizione.

Se non controlliamo attentamente le inclinazioni dei componenti, saremmo probabilmente tentati di allineare la pera, la mela e le ciliegie al piano orizzontale o alla perpendicolare mentre in realtà sono inclinati. Cerca di essere sicuro di individuare gli angoli giusti per fare un disegno accurato.

Allineamenti e triangolazioni:

Puoi usare la matita per individuare le corrispondenze tra gli elementi in verticale e in orizzontale e capire quali oggetti si allineano tra loro in orizzontale o in verticale. Questo ti aiuterà ad organizzare correttamente i vari elementi del modello.

Una triangolazione si ottiene quando si utilizzano diversi punti per allineare un oggetto. Ciò aumenta la precisione del disegno.

La cima della ciliegia è allineata in orizzontale con la base della mela. Il lato destro della stessa ciliegia si allinea in verticale con il centro della ciliegia più in basso, mentre la cima dei quest’ultima ciliegia è allineata in orizzontale alla base della ciliegia a destra, quella allena davanti al limone.

Hai bloccato le proporzioni, ora sai dove posizionare ogni oggetto. Ma un disegno non è una lista della spesa. È una narrazione. Devi pensare in astratto, vedere gli equilibri e gli spazi negativi come forze in gioco. Se vuoi trasformare la pura accuratezza in potenza visiva, ecco la lezione che devi consultare subito.

Osservate, misurate, agite!

L’occhio inganna e la memoria distorce. La matita non è solo uno strumento per tracciare, ma un’unità di misura rigorosa. Impara a usarla per bloccare le proporzioni reali del soggetto, non quelle che il cervello ti suggerisce. Verifica gli angoli e gli allineamenti, usa gli spazi negativi come alleati per la precisione. Smetti di disegnare a indovinare. Applica queste strategie subito e l’accuratezza smetterà di essere un mistero.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Questo è il nostro difetto fatale: la nostra mente, per risparmiare energia, ci propone un simbolo—”l’occhio”—invece della realtà. Ma l’arte vera non è la riproduzione di simboli.

Ti invito a leggere tutto questo articolo su Substack, in fondo ho un piccolo regalo per te: un video in diretta riservato agli abbonati alla mailing list Il Gioco dell’Artista con una spiegazione dettagliata della struttura dell’occhio e una realizzazione di un occhio a carboncino.

Vedere Oltre la Forma

Perché lottare contro questa abitudine? Perché gli occhi sono il nucleo emotivo del volto, il punto dove la luce si incontra con la storia. Non sono solo elementi anatomici; sono l’innesco dell’empatia nel tuo osservatore.

Prima di prendere in mano la matita, devi imparare a “osservare prima di agire.” Non si tratta di tecnica, ma di consapevolezza: stai cercando non solo la forma, ma la storia di quel momento, di quella persona. È solo quando ti interessi davvero al soggetto—quando empatizzi con l’emozione che vuoi catturare—che cominci a cogliere le sfumature che rendono l’occhio vivo. I colori, i riflessi, la ruga sottile: sono i dettagli che innescano la reazione che crea una connessione profonda.

Schemi, Maestri ed Emozioni

Per superare il blocco dello stereotipo, dobbiamo dotarci degli strumenti giusti, imparando dai migliori.

La Tensione della Struttura: La tavola che segue non è una semplice anatomia; è la chiave per superare il tuo conflitto esterno: disegnare dal vero con sicurezza. Ti mostra i tre schemi della struttura dell’occhio. Studiali e copiali più volte. Non li stai solo disegnando; stai imparando come la “Luce” e l’ “Ombra” (i nostri personaggi astratti) agiscono su sfere e piani, creando il volume che la tua mano è abituata a ignorare.

Ti consiglio di copiare anche qualche occhio tra quelli che trovi a sinistra.

Mostra, Non Dire l’Emozione

La tavola che segue è un esercizio di Visual Storytelling. Ti propone occhi disegnati con attenzione alle emozioni che possono esprimere da soli. Mettiti alla prova: ogni occhio è una micro-storia di conflitto e risoluzione. Non dire al lettore l’emozione, mostrala attraverso la tensione delle palpebre, l’inclinazione delle sopracciglia, la pupilla.

Il Metodo dei Maestri

Mi è piaciuta molto questa tavola disegnata presumibilmente nell’ottocento e voglio proporla, nota il tratteggio modellato tipico degli incisori, una vera chicca:

Ti sarà utile dare un’occhiata a come un grande maestro come Leonardo studiava gli occhi nei suoi disegni di studio.

L’analisi di questi studi non è solo un omaggio storico. È la dimostrazione che l’osservazione sistematica è la base di ogni trasformazione artistica.

Ricerca l’Essenza

Dopo aver assorbito questi studi, sei pronto per la parte pratica. Ti propongo di esercitarti con questi modelli selezionati.

E qui arriviamo al punto di svolta: il video tutorial. Volevo offrirti un arsenale di risorse, e di videotutorial ma ho trovato quasi solo la sagra della “linea insistita,” viziata e piatta. Questo per me è un fallimento che mi impone di proporvi una delle mie lezioni in diretta sugli occhi.

Nella lezione ho cercato di dimostrare perché un approccio gestuale e corretto è l’unico che ti porterà a una vera trasformazione.

La comprensione dell’occhio come struttura sferica è solo un punto di partenza. Per completare la visione del volto, dovete estendere questo principio al naso. Ecco perché la prossima tappa del percorso è lo studio della scultura dei volumi:

Carboncino e Chiaroscuro: Come Scolpire Occhi e Naso

Il Gioco dell'Artista

Carboncino e Chiaroscuro: Come Scolpire Occhi e Naso

Spesso, quando ci mettiamo davanti al foglio per ritrarre un volto, cadiamo nella trappola della “lista della spesa”: un occhio, poi l’altro, poi il naso, disegnati come simboli piatti incollati sulla carta. Il risultato? Maschere senza vita…

Read more

5 months ago · 2 likes · Alessandro Pedroni

E adesso basta disegnare maschere!

Il difetto fatale è la mente che, per inerzia, ti impone il simbolo piatto dell’occhio invece della sua realtà strutturale. L’arte vera non è la riproduzione di simboli, ma l’osservazione profonda. Il nucleo della lezione è cogliere la storia, il volume e l’empatia dell’occhio, vedendolo come una sfera plasmata dalla Luce e dall’Ombra. Studiate gli schemi strutturali e copiate gli occhi dei Maestri. Mettete alla prova la vostra mano immediatamente, senza attendere un minuto in più.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Non è il soggetto in sé che mi interessa di più. È il processo.

Sto cercando, con sempre più insistenza, di liberare il mio tratto. Di renderlo essenziale. Di togliere tutto quello che è superfluo, tutto quello che è solo rumore.

Se ci pensate, è facile aggiungere segni. È la cosa più naturale del mondo, quando disegni: un tocco qui, un’ombra là. L’istinto ci spinge a “finire” il disegno, a leccarlo fino a renderlo liscio e perfetto. Ma spesso, proprio in quella ricerca di perfezione, si perde l’anima, l’energia viva del primo gesto. Si perde il coraggio di fermarsi.

La vera difficoltà non è mettere, ma togliere. È trovare quel punto esatto in cui il disegno dice abbastanza e non troppo. È un segno di maturità, non di pigrizia.

Una Divagazione sull’Essenziale: Il Segno di Sironi

Questa ricerca mi fa pensare a un gigante del Novecento italiano che dell’essenzialità ha fatto una bandiera: Mario Sironi.

Sironi non cercava la bellezza nel senso classico. I suoi personaggi, le sue periferie, i suoi paesaggi industriali sono massicci, quasi blocchi di materia. Le sue figure sono spesso sintetizzate, ridotte all’osso. Non c’è un dettaglio in più, non c’è una pennellata concessa all’ornamento.

Guardate ad esempio la potenza scarna di un suo Paesaggio Urbano o la sintesi geometrica di opere come L’Allieva.

C’è una forza tragica in quelle forme semplificate, in quelle campiture spesse. Sironi usava il segno come un martello, per scolpire la realtà, non per descriverla. Ha preso la complessità e l’ha filtrata, restituendo solo l’ossatura, l’architettura emotiva delle cose.

È questo il potere del segno essenziale. Non è povertà, ma sintesi. Non è un disegno a metà, è un disegno al massimo della sua intensità.

Ecco, la mia pecora su carta azzurra è un piccolo passo in quella direzione. Sto provando a scolpire, più che a disegnare. Sto cercando il martello, non il pennellino.

Dalla Teoria alla Pratica

Se questo discorso sul “togliere” vi affascina ma vi sembra difficile da applicare, sappiate che è proprio su questi principi che lavoriamo “dall’altra parte”, nel Gioco dell’Artista. Lì non ci limitiamo a parlarne, ma proviamo a mettere le mani in pasta con esercizi pratici, semplici e (spero) divertenti, per imparare a disegnare senza la paura di sbagliare.

Se volete sporcarvi le mani con noi, le porte sono sempre aperte: qui trovate le lezioni

Il Gioco dell'Artista

Ogni settimana insieme per imparare a disegnare e dipingere. Lezioni semplici, pratiche e spesso divertenti. Imparare non deve essere un’esperienza noiosa e complicata.

Dal Alessandro Pedroni

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Eppure, c’è una verità più profonda, quasi uno scheletro della forma, che si rivela solo quando togliamo tutto quel rumore cromatico.

Dürer e la potenza della linea

Cinquecento anni fa, Albrecht Dürer lo aveva capito perfettamente. Nonostante fosse un pittore straordinario, è nelle sue incisioni che la sua indagine sulla natura tocca i vertici più alti. Con un semplice bulino, uno strumento che non permette ripensamenti, ha tradotto il mondo in un codice di linee nere.

Prendete il suo celebre Rinoceronte. Dürer non ne aveva mai visto uno. Si basò su descrizioni e schizzi altrui. Eppure, guardate la potenza di questa immagine.

Albrecht Dürer, Rinoceronte, 1515, xilografia.

Non importa che la corazza sia anatomicamente inventata. Ciò che conta è come il tratteggio crei un senso di volume, di peso e di texture corazzata così tangibile che sembra di poterlo toccare. La linea non descrive solo il contorno, diventa la materia stessa.

Dalla xilografia alla penna a sfera

Oggi, quando esco a disegnare nella natura, sento un legame con quell’approccio. Il mio strumento non è un nobile bulino, ma un’umile penna a sfera. Eppure, la sfida è la stessa: l’irreversibilità del segno e la necessità di tradurre il caos organico di un paesaggio nel rigore del bianco e nero.

Non posso “colorare” un’ombra. Devo costruirla, strato su strato, incrociando le linee. È un esercizio di onestà brutale. La biro non ti permette di barare con sfumature morbide; ogni segno è una dichiarazione d’intenti.

Le mie “traduzioni”

Il passaggio alla penna a sfera richiede un cambio di mentalità radicale: dalla correzione alla costruzione additiva. Un esempio perfetto di questa applicazione pratica sul campo si trova nella lezione “L’Architettura della Pazienza”, dove il tratteggio a biro diventa lo strumento per comprendere la logica di crescita degli alberi.

Il Gioco dell'Artista

L'Architettura della Pazienza

Ascolta il testo dell’articolo…

Listen now

10 months ago · Alessandro Pedroni

Ecco altri due esempi recenti di come cerco di applicare questa filosofia. Nel primo, ho cercato di catturare la vastità e la luce di un paesaggio aperto...

Mentre nel secondo mi sono concentrato sul dettaglio di una piccola felce tra le rocce, cercando di rendere la superficie delle foglie in contrasto con la ruvidezza delle rocce solo attraverso la densità del tratteggio.

Disegnare in questo modo mi ha insegnato che non serve il colore per mostrare la vita. Anzi, a volte il colore distrae. Una linea nera onesta, che segue la forma con attenzione e pazienza, può rivelare l’essenza di un soggetto molto più in profondità.

Esercizio

Dürer insegna che il tratteggio deve seguire la forma, non coprirla. Per padroneggiare questa “ingegneria” del segno, è indispensabile eseguire l’“Esercizio sulle trame del tratteggio a matita o a penna biro”. Lì capirete come la direzione della linea definisca la superficie materiale dell’oggetto. (Link:

Il Gioco dell'Artista

Esercizio sulle trame del tratteggio a matita o a penna biro

Se prendiamo, ad esempio, il Tetto di una Casa coperto di tegole, e procediamo a ombreggiarlo, o a evidenziarne la superficie, semplicemente tracciando linee su di esso, come nell'Es. A., senza riferimento alla sua pendenza o direzione. Si noterà che le linee perpendicolari suggeriscono l'idea che sia verticale, in completa contraddizione con il contorn…

Read more

a year ago · 1 like · Alessandro Pedroni

E voi? Avete mai provato a limitare i vostri strumenti per vedere cosa succede alla vostra osservazione? Raccontatemelo nei commenti.

E adesso posate i colori.

La dipendenza dalla tavolozza cromatica nasconde le carenze strutturali del vostro disegno. La biro, con la sua inchiostrazione irreversibile, vi costringe a costruire lo scheletro della forma senza possibilità di appello. Dürer ci insegna che il volume e la texture reale emergono solo quando si elimina il rumore del colore. È il momento di affrontare la realtà in bianco e nero, strato su strato, con onestà brutale.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook! Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più. Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Quando guardi un bravo artista disegnare, puoi notare dei piccoli accorgimenti che sono lo “scheletro” del suo lavoro. E te li voglio segnalare.

Questa lista è una bussola, non una regola intoccabile, perché la vera bellezza del disegno è la libertà. Ma anche la libertà si allena. Questi 4 spunti sono suggerimenti utili per affilare i tuoi strumenti e migliorare il tuo lavoro.

1. Il tratto non è mai uguale
   È la tua linea che “parla” per i volumi, le luci e le ombre. Per questo, devi variarla. Un tratto che definisce l’ombra non può avere lo stesso “peso” di quello in luce.
   La linea può essere spessa o sottile, liscia o frastagliata, sfocata, o interrotta. Se ti alleni a disegnare un volto usando solo linee differenziate tra loro, capisci subito quanto il tratto dinamico sia un ingranaggio essenziale per uno stile più espressivo.

2. Fai ballare la carta
   Non stare rigido. I gesti che può compiere la tua mano sono limitati, è un fatto. Quindi? Gira e muovi la carta, continuamente. Sembra strano se osservi, ma è pura logica: ruotare il foglio è l’unico modo per ottenere il segno espressivo che ti serve nel punto giusto.

3. Basta con i contorni chiusi
   Quando disegni una persona, la tentazione è quella di definirne la forma con un “recinto” rigido, una linea di contorno grossa e continua. Ma questo è un impulso da non seguire.
   Il contorno chiuso non serve, specie se vuoi dare un senso dinamico. Usa linee interrotte, accenna appena il naso o la mano. In questo modo, l’occhio di chi guarda completerà l’immagine, e il tuo disegno risulterà più vivo e coinvolgente.

   

1. Tratteggio incrociato: usa angoli acuti
   Il tratteggio è un’impalcatura per le tue ombre. Quando incroci il segno, non devi mai creare una “X” netta (cioè angoli a 90°). È un eccesso grafico da evitare, a meno di scelte estreme.

Ti conviene tracciare le linee creando angoli il più possibile acuti tra loro. Questo “stressa” meno la superficie della carta e ti permette di sovrapporre molte più campiture, ottenendo tutte le gradazioni sfumate di grigio che ti servono. È una questione di economia del gesto.

Questi piccoli consigli sono solo la punta dell’iceberg per disegnare una persona, ma sono un punto di partenza concreto.

Se vuoi approfondire l’argomento puoi leggere alcune delle dispense che abbiamo preparato nella mailing list “Il gioco dell’Artista”

Ti voglio fare un regalo

Ho preparato per i miei allievi del corso di disegno e pittura on line un breve filmato che fa vedere un modo corretto per realizzare tratteggi incrociati (occhio a come tengo la matita), è un filmato riservato fin’ora come ho detto agli allievi del corso a pagamento, spero che possa esserti utile

Prendi la matita e verifica!

La differenza tra un disegno bloccato e uno dinamico è strutturale. Si basa sull’economia del gesto: non chiudete i contorni con un recinto rigido e imparate a far “parlare” la linea variandone il peso. La tecnica è la bussola che vi permette la vera libertà, ma dovete esercitare l’ingranaggio del tratto e l’uso degli angoli acuti nel tratteggio. Applicate subito questi 4 spunti!

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Parliamo delle linee implicite, quelle connessioni invisibili che solo un occhio allenato sa cogliere e usare per dare respiro e profondità a ogni composizione, migliorando proporzioni e armonia con una sottigliezza inaspettata. Sono fondamentali perché creano in modo occulto collegamenti e suggerimenti visivi che guidano lo sguardo, dando vita all’opera con un’armonia silenziosa.

L’uso di linee implicite e strutture geometriche era praticato almeno dal Rinascimento, come si può vedere negli esempi di Raffaello che mostro di seguito.

Lo schema prospettico, in questo dipinto di Raffaello, converge nel centro della porta dell’edificio, punto di fuga della piramide visuale, che coincide con il vertice di un triangolo equilatero che racchiude le figure principali. La disposizione circolare dei personaggi invita lo spettatore a entrare nella scena e partecipare alla cerimonia.

La composizione piramidale include la Vergine col Bambino e San Giovannino in un triangolo aureo, unificando geometricamente e concettualmente.

Perché le linee sono così importanti?

Le linee sono fondamentali perché i nostri occhi sono naturalmente attratti dal percorso che esse tracciano, guidando lo sguardo con maggiore fluidità tra gli elementi. Queste “linee direttrici” possono definire il contorno del soggetto, rinforzare ed evidenziare elementi specifici, e creare un senso di movimento, come per animare un cielo ventoso.

Esistono due tipi principali di linee: quelle effettive, che sono visibili e tracciabili, e quelle implicite, che non sono fisicamente presenti ma create dalla nostra mente come connessioni immaginarie tra ciò che vediamo.

Prendi questa linea tratteggiata come un semplice esempio.

– – – – – – – – – – – – – – – – – – – – –

La tua mente, negli spazi bianchi tra un trattino e l’altro, immagina dei collegamenti, creando così delle linee implicite. Guardando un tracciato del genere, è probabile che tu consideri la serie di tratti come parte di un’unica linea tratteggiata, piuttosto che come una successione di tratti separati.

Allo stesso modo, consideriamo linee implicite quelle tratteggiate che rivelano gli spigoli nascosti di un cubo. Nelle due immagini successive, tratte da una pittura di Gustave Caillebotte, sono state evidenziate le linee effettive nella prima e le linee implicite nella seconda..

Nel dipinto di Gustave Caillebotte, ‘The Parquet Planers’ del 1876, le Linee Attuali rappresentano le fondamenta strutturali dell’opera. Senza di esse, sarebbe quasi impossibile distinguere chiaramente il muro dal pavimento

Gustave Caillebotte, The Parquet Planers, 1876 – Linee Implicite

Le linee implicite, pur non essendo fisicamente presenti, guidano la nostra attenzione all’interno del dipinto. Le più potenti sono spesso le linee di visione dei soggetti: l’osservatore tenderà a guardare nella stessa direzione in cui essi stanno guardando.

Inoltre, è possibile creare altre linee implicite posizionando i soggetti in modo tale che l’occhio sia naturalmente portato a viaggiare da un punto all’altro, individuando una connessione. Ad esempio, l’allineamento del ginocchio, delle mani e del piede di due figure può generare una forte linea implicita che esalta la composizione.

Come usare le linee implicite

Un uso accorto di queste linee immaginarie può migliorare le tue composizioni in diversi modi.

Crea un percorso visivo attraverso le tue opere

Puoi predisporre dei percorsi suggestivi per lo spettatore delle tue opere, portando lo sguardo ad apprezzare l’effetto che vuoi ottenere.

Nel dipinto di Claude Monet qui sotto, puoi notare come i tuoi occhi seguono la linea delle barche in lontananza. Se queste barche fossero sparse in modo più casuale, lo sguardo sarebbe meno incline a seguire quel percorso e la scena perderebbe profondità prospettica.

Claude Monet, Baia di Etretat the Aval, barche da pesca che lasciano il porto, 1885

Nota anche come l’interruzione creata dal litorale crei un’interessante linea implicita che contrasta con la linea delle barche.

Puoi usare linee implicite per risaltare e rinforzare il contorno del soggetto, un approccio più sofisticato rispetto al semplice tracciamento delle linee reali di contorno. Perché questo artificio sia efficace, devi avere una sicura comprensione della forma, altrimenti rischi di rinforzare i contorni sbagliati.

Per esempio, diciamo che stai disegnando una mano e un braccio. Potresti accennare linee che forniscono indizi sui muscoli dell’avambraccio, per poi abbandonarle occupandoti del centro del braccio. Se accenni di nuovo quelle linee sul polso e verso la mano, ecco che creeresti delle linee implicite molto efficaci.

Nel disegno di Dan Scott, qui sotto, puoi vedere il processo: una linea che suggerisce un fascio muscolare è iniziata per poi svanire e infine riapparire di nuovo più tardi lungo il braccio. Le linee implicite sono usate anche per dare risalto al contorno della mano all’attaccatura del polso: il contorno parte forte su un lato, si alleggerisce e sparisce per ricomparire sull’altro lato.

Anche Vincent van Gogh, che oltre ad essere un pittore rivoluzionario è stato un grandissimo cultore del disegno, utilizzava in modo molto efficace le linee implicite Di seguito è riportato un altro esempio di utilizzo di linee implicite per rinforzare il contorno del soggetto.

Vincent van Gogh, Il ramo di un mandorlo da fiore, 1888

Focalizza l’attenzione su ciò che ti interessa in una composizione

Le linee implicite sono un asso nella manica per catturare l’occhio dello spettatore. Immagina di avere tre punti focali nel tuo dipinto: collegandoli con queste linee invisibili, crei una sorta di recinto che guida e trattiene lo sguardo del pubblico proprio dove vuoi tu.

Anders Zorn, nel dipinto qui sotto, ha sfruttato le linee implicite per convogliare l’attenzione su una piccola area a sinistra, dove si trovano i due bambini. Queste linee nascono dal posizionamento dei soggetti e sono ulteriormente rafforzate dalle linee di visione verso il basso. Se si osserva la parte destra del quadro, lo sguardo viene attivamente attratto verso sinistra.

Attenzione! Non dimenticare che anche i bordi del quadro possono essere considerati linee implicite e possono essere sfruttati a tuo vantaggio.

Anders Zorn, Ritratto delle Figlie di Ramon Subercaseaux, 1892

Crea senso di movimento ed atmosfera

Le linee implicite offrono la possibilità di creare un senso di movimento e atmosfera. Possono essere molto più efficaci per questo uso rispetto alle linee vere e proprie, perché queste ultime tendono ad essere troppo schiette e dirette.

Le opere di Vincent van Gogh sono le prime a venire in mente come esempio di questo uso. Nota quanto è facile per i tuoi occhi seguire il flusso creato da tutte le linee spezzate che popolano la sua pittura qui sotto. Questo perché Vincent ha disposto le linee in modo da suggerire agli occhi dell’osservatore la possibilità di unire facilmente i punti.

Vincent van Gogh, Campo di grano con cipressi, 1889

Altri esempi di linee implicite

Di seguito c’è un dipinto molto delicato di John Singer Sargent. Si possono individuare delle linee implicite piuttosto potenti, create dalle linee di visione dei due soggetti, nonostante ci siano pochi dettagli nei volti. Questo è il potere del contesto.

John Singer Sargent, Intrecciare le cipolle, 1882

Inoltre, se colleghi con linee implicite i due soggetti, puoi rivelare un forte tema compositivo triangolare, che sembra essere rinforzato anche dalla forma generale delle ombre.

John Singer Sargent, Intrecciare le cipolle, 1882 – Schema compositivo triangolare

Nel prossimo dipinto, sempre di John Singer Sargent, si può vedere un uso intelligente delle linee di visione. Il soggetto maschile guarda il quadro e il soggetto femminile guarda in lontananza, apparentemente poco interessato. Disegnando linee intorno a questi soggetti, puoi vedere l’area in cui si vuole concentrare l’attenzione.

John Singer Sargent, Paul Helleu che disegna la moglie, 1889 – Analisi delle linee implicite

La prossima immagine, rende evidente quanto è facile per lo sguardo collegare con linee implicite le cime e le basi delle barche. La forma generale che ne deriva, concentra l’attenzione in questa area ristretta. Ecco un esempio chiaro di come organizzando ciò che già c’è si possono disporre gli elementi in un modo vantaggioso per una maggiore efficacia della composizione.

Charles Cottet, Raggi della sera, 1892

Possiamo concludere che le linee implicite funzionano in modo simile alle linee reali, ma tendono ad essere più sottili e sofisticate se usate correttamente.

Puoi usare le linee implicite per guidare le persone intorno alle tue opere d’arte, rafforzare il contorno del soggetto, contenere l’attenzione della gente su una certa area o creare un senso di movimento o atmosfera. Ci sono molti altri modi per usare le linee implicite, ma questi sono i principali.

Meno è di più con le linee implicite. Non c’è bisogno di renderlo ovvio.

A volte, usare le linee implicite è semplice come disporre gli oggetti in modo intelligente.

Sorgente: How to Use Implied Lines to Strengthen Your Compositions

Volete portare le vostre composizioni a un livello superiore?

Le linee implicite sono solo una parte del puzzle. Per una visione completa su come armonizzare tutti gli elementi della tua opera, non perdetevi la lezione Edgar Payne - Composition of Outdoor Painting - Cap. 1: L’origine e lo scopo. Seguendo questo e tutti i capitoli successivi che troverai nella Biblioteca del “Il Gioco dell’Artista” Scoprirai i fondamenti immortali dell’arte e come la composizione sia lo studio armonico che dà vita a ogni creazione.

Adesso vi tocca lavorare!

Pensavate che le linee fossero solo contorni? Illusi! La vera magia è guidare l’occhio dello spettatore con connessioni invisibili, quelle che la vostra mente pigra ignora.

Raffaello e Van Gogh lo sapevano bene, e ora tocca a voi. Smettetela di copiare e iniziate a suggerire, a creare percorsi visivi e atmosfere che solo le linee implicite possono dare. Non abbiate paura di sbagliare, la composizione vi ringrazierà. E se non ci riuscite, beh, almeno ci avete provato!

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista” (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Ecco alcune considerazioni fondamentali da tenere a mente quando progetti la composizione di un disegno o di un quadro. Tutte queste riflessioni sono legate, in qualche modo, all’importanza delle forme.

1. Riconosci le forme statiche: Impara a identificare quelle zone che, se delimitate nettamente su ogni lato (come l’apertura di una porta o di una finestra completamente buia), possono creare “trappole visive”. Una variazione, ad esempio suggerendo la presenza di un pavimento attraverso sfumature di chiaroscuro, può aggiungere interesse e rompere la staticità di quel “buco nero”.

   

2. Evita divisioni troppo uniformi: Se suddividi la tua composizione in forme troppo simili tra loro, con divisioni orizzontali o verticali nette, il risultato sarà una composizione statica. Fai attenzione a non dividere un dipinto esattamente a metà, sia in orizzontale che in verticale, o a suddividerlo in sezioni uguali, a meno che tu non voglia intenzionalmente creare un senso di monotonia.

3. Attenzione agli elementi ai bordi: Inserire forme o elementi troppo interessanti ai margini della composizione può distogliere l’attenzione dalla zona principale su cui vuoi concentrare l’interesse.

4. Le forme triangolari negli angoli: Quando cerchi di creare composizioni d’impatto, fai attenzione all’inserimento di forme triangolari negli angoli, poiché possono allontanare lo sguardo dal centro di interesse. Se queste forme sono inevitabili, ammorbidiscine i bordi o spezzale.

5. Varia gli spazi negativi: Dividere il tuo disegno in forme troppo simili tra loro raramente produce composizioni interessanti. È preferibile assicurarsi che gli spazi negativi (le aree intorno agli elementi della composizione) non abbiano tutti la stessa larghezza o altezza. Va detto che, in alcuni casi, una regolarità calcolata nella ripetizione delle forme può rendere una composizione interessante e coerente; per ogni regola, c’è sempre un’eccezione
   

   

6. Non sovraccaricare la composizione: A meno che non sia una scelta consapevole e precisa, evita di includere troppi elementi che creano tensione, altrimenti la composizione risulterà troppo “piena” o visivamente irritante.

7. Pensa in astratto: Un’ottima abitudine, già in fase di progettazione, è considerare qualsiasi composizione come un insieme di forme astratte. Qualsiasi pittura figurativa è tanto forte quanto lo sono i suoi componenti ridotti a forme astratte. Perciò, quando valuti l’impostazione di una nuova opera, guardala con l’occhio di un “astrattista”.

Fatte tutte queste considerazioni teoriche, è importante ricordare che sono solo delle linee guida. Un artista non è sempre obbligato a seguirle; a volte si decide di ignorarle per ottenere un risultato specifico o semplicemente per dimenticanza.

In ogni caso, sarebbe utile, prima o poi, fare una verifica alla luce di queste considerazioni per valutare il risultato ottenuto: potresti fare scoperte sorprendenti.

Alla fine, l’importante è sapere che l’apprendimento non si ferma mai e godersi il processo creativo.

Matite alla mano e pennelli in azione!

Avete appena scoperto che la composizione non è un optional, ma il segreto per trasformare un’idea in un capolavoro che cattura lo sguardo. Dalle forme statiche ai triangoli negli angoli, ogni dettaglio conta. Siete pronti a sfidare le regole (o a seguirle con astuzia) e a far esplodere la vostra creatività? Mettete in pratica questi consigli e preparatevi a sorprese!

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook “Il Gioco dell’Artista“ (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l’energia della community, il supporto e l’incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c’è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Se cerchi di imparare a disegnare e dipingere, sai che devi trovare il modo per semplificare i concetti, per ricordare in modo adeguato le conoscenze fondamentali del processo. Puoi avvalerti di questo schema.

All'inizio del percorso di apprendimento, affrontare il disegno dal vero può generare qualche timore. Per facilitare il processo e ricordare le fasi cruciali nella riproduzione fedele di un soggetto, puoi avvalerti di un semplice acronimo.

MI – Misurare ad occhio

È la fase iniziale in cui si valutano le dimensioni principali di un soggetto o di una composizione. È consigliabile partire da misure molto ampie, come l'altezza e la larghezza maggiori e l'asse centrale. Da questo rettangolo immaginario, si possono poi definire gli spazi negativi.

L – Luce o illuminazione

È la mappa essenziale delle zone di luce e ombra nel tuo soggetto. Immagina di suddividere tutto ciò che vedi in due sole categorie: luce e ombra. Questa distinzione crea una struttura fondamentale in qualsiasi immagine, permettendoti di valutare nel tempo aspetti compositivi cruciali, come l'equilibrio o lo squilibrio del Notan.

Molto utile è lo stratagemma di guardare attraverso le ciglia, o di incrociare gli occhi simulando un leggero strabismo, per ottenere uno schema visivo astratto del modello, ridotto (per lo più) a due valori generali. L'obiettivo è delimitare una mappa di soli due valori: uno rappresentato dalla superficie del supporto su cui si lavora e l'altro ottenuto tramite una leggera stesura con un materiale che non influenzi eccessivamente gli interventi successivi.

AN-ancore

Un'ancora rappresenta un punto di riferimento concreto all'interno del modello che stiamo osservando. Questi punti possono essere le aree più scure, le luci più intense o i colori più vividi e saturi. Sono, in sostanza, i riferimenti chiave che il modello ci offre.

A seconda dei materiali che si utilizzano, le ancore servono da guida per "calibrare" la tavolozza. Permettono di creare le miscele iniziali di colori da cui si potranno poi sviluppare tutti gli altri valori e tonalità.

G-Gradazioni

Dopo aver individuato e applicato correttamente le ancore, è necessario collegarle tra loro, sfumando opportunamente da un'ancora all'altra. Da ciascuna "ancora", il colore si diffonde, proprio come una coltura batterica in una piastra di coltura, creando gradazioni che si incontrano e si mescolano con le espansioni provenienti dalle altre ancore. Strizzare gli occhi è utile per controllare i rapporti di valore e di tono.

Un metodo efficace consiste nell'osservare in modo sfocato due aree in cui sono state applicate le tonalità iniziali. Questo permette di anticipare il risultato della fusione tra i due valori/toni. Se il risultato non è corretto, è probabile che una o entrambe le impostazioni iniziali non siano calibrate bene, consentendo una calibrazione precoce senza spreco di lavoro. Gli errori di impostazione, tuttavia, raramente riguardano l'ancora, sottolineando l'importanza delle ancore precoci.

Adesso disegnate!

Pensavate fosse difficile disegnare dal vero? Con il metodo MILANG, un acronimo geniale, è come avere una mappa del tesoro per luci, ombre e misurazioni. Misurate, illuminate, ancorate e poi sfumate! Sembra una ricetta, ma è il segreto per non perdere la bussola artistica. E voi, siete pronti a navigare nel mare del disegno?

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook "Il Gioco dell'Artista" (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Condividi

Oggi voglio parlarvi di un'abilità del genere, legata a una pratica che trovo straordinariamente potente: il notan. È un'idea che arriva dal Giappone, e sebbene non abbiamo una traduzione letterale, possiamo pensarci come "la creazione della bellezza attraverso l'equilibrio tra luce e oscurità".

Molto spesso, quando ci avviciniamo al disegno o alla pittura, l'attenzione si concentra sul realismo. I dettagli, le texture, le sfumature. Ma c'è un elemento che, a mio avviso, è molto più fondamentale: il design. L'equilibrio tra le masse di luce e le masse di ombra è l'impalcatura che sostiene una composizione, rendendola avvincente a prescindere dal soggetto.

L'esercizio che vi propongo non è solo per gli artisti che amano l'astrazione; è una palestra per imparare a vedere e a comporre.

L'esercizio pratico del notan

Questo esercizio è tanto semplice quanto illuminante. Non servono materiali costosi, solo un pennarello nero, un foglio di carta e una matita.

1. Semplifica il soggetto: Scegli un soggetto semplice. Può essere una forma astratta, un oggetto quotidiano o un'immagine che ti piace. L'importante è ridurlo a una silhouette, a un disegno lineare pulito e chiaro. Puoi usare questo disegno di Paul Foxton

   

2. Applica i due valori: Lavora solo con due valori fissi: il bianco del foglio e il nero del pennarello. L'obiettivo è riempire alcune parti del tuo disegno di nero, lasciando le altre in bianco.

   

3. Esplora le varianti: L'aspetto più interessante di questo esercizio è la sua flessibilità. Prendi il tuo disegno a linea e fanne diverse copie. Su ciascuna, prova a riempire di nero aree diverse. Sperimenta. Se prima un'area era bianca, nella copia successiva falla diventare nera.

   

Qualche consiglio per la pratica:

• Lavora con pazienza: L'esercizio non si esegue in un lampo. Prendi il tempo necessario per riflettere su ogni variazione, per sentire l'equilibrio che si sta creando. A volte, un piccolo cambiamento può ribaltare completamente l'armonia della composizione.

• Non è una corsa: Non devi produrre decine di notan in un solo giorno. L'obiettivo non è la quantità, ma la qualità della riflessione. Se il primo giorno ti concentri solo a creare il disegno a linea, va benissimo.

• Parti da una base solida: Prima di iniziare a riempire con il nero, assicurati che il tuo disegno a linea sia già ben bilanciato. Questo è il primo passo verso una composizione solida.

I segreti della composizione

Questa approccio creativo si ispira al libro Composition di Arthur Wesley Dow, disponibile legalmente e gratuitamente.

Il volume include diversi esempi di design Notan, alcuni dei quali sono riportati qui di seguito. Ho iniziato la traduzione del libro in italiano integrandolo con esempi attuali, presto pubblicherò le dispense che ho ottenuto e le pubblicherò nella Biblioteca de “Il Gioco dell’Artista” Qui puoi trovare la dispensa con i primi capitoli del libro ”Composition: Understanding Line, Notan and Color”.

Ecco alcune tavole scelte dal libro:

Se hai voglia di provare questo esercizio, non aspettarti miracoli dopo una o due volte. È come seminare un piccolo seme: ha bisogno di pratica e costanza per germogliare e crescere. All'inizio, potresti trovare l'esercizio piacevole e divertente, ma il vero frutto arriva solo dopo un po' di pratica.

Il bello è che quando questa nuova sensibilità si svilupperà, non la userai solo per i notan. Sarà con te, quasi senza che tu te ne accorga, in ogni tuo lavoro.

È come se la tua mente creasse una "mappa mentale" per l'equilibrio tra luci e ombre. Che tu stia dipingendo una natura morta, un paesaggio o semplicemente facendo uno schizzo a matita, quella mappa si accenderà e ti guiderà.

Questo è il vero valore della pratica regolare: le abilità che sviluppi diventano una parte di te, come un'intelligenza automatica che si attiva ogni volta che ne hai bisogno.

E per farla crescere, tutto quello che serve è un po' di tempo, ogni giorno, e la tua piena attenzione.

Adesso al lavoro!

Immergetevi nella pratica del notan, l'arte giapponese che rivela la bellezza nell'equilibrio tra luci e ombre. Dimenticate i dettagli e concentratevi sul design, l'impalcatura che rende avvincente ogni composizione. Un pennarello nero, un foglio e la voglia di sperimentare: la vostra mente creerà una "mappa mentale" che vi guiderà in ogni opera. Il segreto? Costanza e pazienza.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook "Il Gioco dell’Artista" (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più. Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Ti è mai capitato? Stai scorrendo i social e ti imbatti in un video ipnotico. Un artista, con una tecnica che sembra magica, usa un reticolo di linee, triangoli e punti per creare un ritratto iperrealistico in pochi minuti. Il risultato è impeccabile, la somiglianza perfetta. E il pensiero si fa strada nella mente: "Ecco il segreto! Ecco la scorciatoia che stavo cercando".

Fermati un attimo. Respira. E poniti la vera domanda: quello che hai visto è l'atto di disegnare o è una forma sofisticata di ricalco? La scelta che fai oggi, di fronte a questi metodi, determinerà profondamente il tuo futuro. Deciderà se diventerai un abile copista o un artista originale, capace di dare vita a mondi interi partendo dalla tua mente, dal vero o dalla tua immaginazione.

L'Illusione della Perfezione: La Trappola della Bidimensionalità

I video che promuovono griglie, proiezioni e triangolazioni fanno leva su un nostro desiderio profondo: ottenere un risultato corretto e veloce. Sembrano una promessa di sicurezza, una rete di salvataggio contro l'errore. Ma questa rete, in realtà, è una gabbia dorata.

Ma fare arte non significa fare copie esatte.

Quando usi una griglia, quasi sempre parti da una fotografia. E una foto, per sua natura, è un'interpretazione piatta della realtà. È un mondo a due dimensioni. Usandola come unica fonte, il tuo cervello si abitua a:

• Vedere forme piatte: Perdi completamente la percezione dei volumi, delle masse e delle relazioni spaziali. Una testa non è più una sfera complessa con piani e strutture, ma un puzzle di contorni da copiare quadratino per quadratino.

• Ignorare la prospettiva: Copi meccanicamente la distorsione dell'obiettivo fotografico senza capire perché gli oggetti appaiono in quel modo. Ti precludi la possibilità di manipolare la prospettiva in modo creativo, di scegliere il punto di vista più efficace per la tua narrazione.

• Disimparare a vedere: Il disegno è, prima di tutto, un'attività mentale. È la capacità di osservare il mondo, comprenderne la struttura e reinterpretarla. La griglia ti dice: "Non pensare, non osservare. Esegui".

Usare griglie costringe a copiare da foto.

Una foto è un'immagine in due dimensioni, il che rende difficile capire volumi e spazi, complica il giudizio sulla prospettiva e fa perdere la percezione della tridimensionalità.

Ancora più importante: è quasi impossibile capire le masse che compongono una forma e le loro relazioni spaziali perché su una foto gli oggetti sono percepiti come somma di forme piatte.

All'inizio, l’uso di una griglia sembra una scorciatoia entusiasmante. Ma in realtà, stai scavando un solco che ti allontana dal metodo tradizionale, quello perfezionato da generazioni di maestri a partire dal Rinascimento in poi. Un metodo che non ti insegna a copiare, ma a capire.

"Prova a mettere bene in pratica quello che già sai, così facendo, potrai in tempo utile, scoprire le cose nascoste che ancora non vedi“.

- Rembrandt van Rijn

I Fondamentali Dimenticati: Cosa Perdi Davvero Dietro le Sbarre della Griglia

Affidarsi ciecamente a questi strumenti non è solo una questione di stile; è una rinuncia attiva all'apprendimento dei pilastri del disegno:

• La Prospettiva Lineare: Usando una griglia, ti limiti a copiare le distorsioni prospettiche catturate da una lente fotografica, senza mai capirne i principi. Ti sfugge completamente la logica della linea dell'orizzonte, dei punti di fuga e dello scorcio. Perdi la capacità fondamentale di costruire uno spazio credibile da zero, di posizionare gli oggetti correttamente e di scegliere in modo creativo il tipo di prospettiva (centrale, accidentale, a tre punti) più adatto a raccontare la tua storia.

  

• Il Disegno Costruttivo: Impari a "costruire" le forme nello spazio, a disegnarle come se fossero trasparenti per coglierne gli assi, le simmetrie e le connessioni. Con la griglia, questo principio viene semplicemente ignorato.

  

  
  

• L'Anatomia e le Proporzioni: Un corpo umano non è una somma di triangoli. È una magnifica macchina di ossa, muscoli e tendini. Per disegnarlo con vita e credibilità, devi conoscerne la struttura, capire come le masse si collegano e si muovono. Nessuna griglia ti insegnerà mai l'anatomia di una mano o la tensione dei muscoli che creano un'espressione sul volto.

  

  

  
  

• Rendere le emozioni umane Le emozioni su un volto sono prodotte da un certo numero di muscoli, in accordo con i sentimenti della persona.

  Un artista figurativo dovrebbe conoscere quei muscoli e comprendere come essi lavorano.

  Griglie e triangolazioni non possono offrire questo tipo di comprensione e questo risulta evidente specie quando si deve disegnare una faccia o una espressione a memoria, senza riferimenti fotografici.

  

• L'Istinto dell'Occhio e della Mano: La capacità di giudicare un angolo a occhio, di tracciare una curva fluida, di sentire le proporzioni, è una competenza che si sviluppa con l'esercizio. I metodi di triangolazione ti spingono a misurare tutto fin da subito con un righello o una matita, atrofizzando il tuo istinto e rendendoti dipendente da uno strumento esterno.

In parole povere, stai addestrando il tuo cervello a diventare un fotocopiatore. E quando poi ti troverai di fronte a un modello in carne e ossa, o quando vorrai disegnare qualcosa che esiste solo nella tua fantasia, ti sentirai perso. Non ci saranno puntini da unire, né quadratini da riempire. Ci sarà solo il vuoto lasciato dalle competenze che non hai mai costruito.

Il Cervello dell'Artista: Dipingere con la Mente

Forse l'argomento più potente contro la tirannia della griglia ce lo ha dato uno dei più grandi di sempre.

"Si dipinge col cerviello et non con le mani”. - Michelangelo Buonarroti

Michelangelo aveva capito tutto. Le mani sono solo l'ultimo terminale di un processo che avviene nella mente. La griglia cortocircuita questo processo. Pone l'enfasi sullo strumento, sulla riproduzione meccanica, e ti impedisce di sviluppare la coordinazione fondamentale tra occhio, cervello e mano.

L'arte vera richiede interpretazione, a volte persino esagerazione. Richiede la libertà di esprimere una visione personale. Intrappolato nella modalità "copia", questa libertà svanisce. Diventa quasi impossibile sfuggire a questa abitudine, non per mancanza di volontà, ma per una reale carenza di abilità sviluppate.

La Scelta è Tua: Copista o Creatore?

A questo punto, la domanda torna a te, più chiara che mai. Qual è il tuo obiettivo?

Se la tua ambizione è semplicemente riprodurre un'immagine con precisione, allora la griglia è uno strumento valido come tanti altri: la fotografia, la stampa, il ricalco. Non c'è nulla di male in questo.

Ma se dentro di te senti una chiamata diversa... se vuoi raccontare storie, trasmettere emozioni, creare opere originali che nascono dalla tua immaginazione, allora hai bisogno di un bagaglio di competenze reali. Hai bisogno di conoscere il disegno costruttivo, la prospettiva, l'anatomia, le regole della composizione.

Questo è il percorso che ti renderà un artista libero e completo.

È il percorso che esploriamo insieme nella mailing list "Il Gioco dell'Artista" su Substack

Il Gioco dell'Artista

Scopri insieme a noi le basi del disegno e della pittura, un esercizio di disegno e uno di pittura alla settimana

Dal Alessandro Pedroni

Abbandonare le griglie non significa scegliere la strada più difficile; significa scegliere la strada più ricca. È la via che ti trasformerà da qualcuno che sa copiare a qualcuno che sa creare.

Ora al lavoro!

Smettetela di copiare come fotocopiatrici impazzite! L'articolo vi ha svelato la cruda verità: le griglie sono una gabbia dorata che atrofizza la vostra creatività. Volete essere artisti o copisti? Imparate prospettiva, anatomia e costruzione. È ora di abbandonare le stampelle e far parlare la vostra mano (e soprattutto, il vostro cervello)! La strada più ricca vi aspetta.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook! Condividete i vostri progressi sul gruppo "Il Gioco dell'Artista - Lezioni di disegno e pittura" su Facebook (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452) per ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi! Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Ma osservare, disegnare o dipingere nuvole è un toccasana per la mente e un esercizio super per ogni artista.

Ci sono addirittura artisti che hanno scelto le nuvole come soggetto esclusivo. Vediamo di scoprire qualche approccio utile per disegnare nuvole pazzesche.

Le nuvole hanno un'anima

La prima cosa da mettere a fuoco, quando disegni le nuvole, è che sono in costante movimento. Sono come creature vive, che respirano e si trasformano sotto i tuoi occhi, soprattutto se disegni dal vero.

Anche se usi una foto come riferimento, non ti stressare per ottenere ogni dettaglio alla perfezione. A meno che tu non punti all'iperrealismo, non è necessario disegnare ogni singola sfumatura.

Invece, punta a catturare l'anima della nuvola.

Pensaci bene: alcune nuvole sono gigantesche e imponenti, si ergono maestose nel cielo, un tripudio di luci e ombre. Altre, invece, possono sembrare minacciose e cupe. A volte sono così luminose da proiettare luce riflessa sul paesaggio circostante. I loro bordi sono ben definiti (anche se cambiano di continuo) con forme distinte all'interno del corpo principale.

Altre nuvole, invece, sono sottili come piume, si muovono leggere nel vento, quasi senza spigoli vivi, pronte a svanire nel nulla da un momento all'altro. Sono quelle che ti fanno alzare lo sguardo e chiederti se sono davvero lì o se è solo un miraggio.

Ma attenzione: altre nuvole sono così sottili e quasi impalpabili che non le riconosci come singole entità. Sono più simili a una nebbiolina alta e diafana, eteree, senza spigoli definiti e con variazioni minime di luce o ombra.

Poi ci sono le nuvole miste, che sono un po' un collage di quelle che abbiamo visto finora: un incrocio tra masse e ciuffi. Le chiamano nubi cumuliformi e, per farla semplice, hanno le cime rotonde e i fondi piatti, come pancake giganti nel cielo.

Insomma, le nuvole si presentano in tutte le forme e combinazioni possibili. Spesso, guardando il cielo, puoi vederne diversi tipi che convivono nella stessa scena.

Tutte queste possibili combinazioni, rendono doppiamente importante guardare veramente le nuvole che stai disegnando e – come al solito – disegnare quello che vedi, non quello che ti aspetti di vedere.

Il primo suggerimento, quindi, è questo: se vuoi disegnare nuvole realistiche, butta nel cestino l'idea preconcetta di "nuvola", niente batuffoli di cotone, per favore! Non hanno mai quell'aspetto nella realtà.

Ogni nuvola ha massa

Facci caso: alcune nuvole sono così piene di vapore che sembrano vere e proprie montagne fluttuanti, capaci di bloccare la luce del sole. Se una nuvola è sottile, invece, la luce le attraversa senza problemi e la fa sembrare bianca e brillante, quasi eterea, senza ombre particolari. E non fa ombra alle sue vicine.

I cumuli temporaleschi, d'altra parte, sono così carichi di umidità che riescono a bloccare un sacco di luce. Il risultato? Un gioco di luci e ombre drammatico al loro interno. Queste nuvole così "piene" possono anche proiettare ombre su quelle vicine o creare contrasti netti contro il cielo limpido. E non è finita qui: riescono a catturare e riflettere un'infinità di colori!

La prossima volta che ti capita, fermati un attimo a dare un'occhiata a un cielo di cumulinembi al tramonto: rimarrai a bocca aperta dalla gamma infinita di colori che quelle nuvole riescono a sfoggiare.

Mentre disegni, inizia dal generale e passa ai dettagli solo alla fine

Qualsiasi nuvola tu abbia in mente di disegnare, il trucco è sempre lo stesso: parti dalle forme più grandi, le "masse" principali, e solo dopo, con calma, ti dedichi ai particolari. Quando è il momento di dare un po' di ombra, lascia intatte le zone luminose, poi definisci le aree di valore e tono più importanti, e da lì, pian piano, vai a rifinire tutto il resto.

Se usi matite colorate, è fondamentale lavorare per strati, costruendo il colore un po' alla volta. È come preparare una torta: non butti tutto dentro in una volta, ma aggiungi gli ingredienti con metodo, uno dopo l'altro.

Prenditi il tuo tempo (ma non troppo, che le nuvole volano via!)

Questo è il consiglio d'oro, la regola non scritta per chi vuole disegnare le nuvole: sì, devi prenderti il tuo tempo, ma occhio che le nuvole sono creature veloci e imprevedibili!

Se stai disegnando all'aperto, dal vero, non c'è scampo: devi abbozzare in un lampo per bloccare le forme principali. Ma una volta che l'impostazione è lì, bella solida, rallenta. Osserva ogni sfumatura, ogni valore, ogni colore che danza tra le nuvole e poi, con la calma di un monaco zen, cerca di riportarlo sulla carta o sulla tela.

Imparare a disegnare le nuvole è una sfida, bella tosta sì, ma che soddisfazione quando il risultato ti ripaga! Troverai sempre qualcosa di nuovo, una varietà infinita di ispirazioni, anche sotto lo stesso cielo che ti sembra uguale: le nuvole cambiano in un battito di ciglia.

Disegnare le nuvole è anche un allenamento pazzesco per l'occhio, uno sprone per la tua capacità di osservazione e ti costringe a mettere il turbo per mettere giù il disegno.

All'inizio, lo ammetto, può far venire il mal di testa: guardare su, scegliere una nuvola – anche solo una, la più semplice – e provare a catturarla su carta o tela. Ma ti assicuro, con la pratica (come in ogni cosa nella vita), dopo qualche tentativo e qualche "errore" (che in realtà sono solo lezioni camuffate), i risultati ti riempiranno il cuore.

Se ti senti pronto a fare sul serio e vuoi tuffarti ancora più a fondo, ti consiglio un articolo che va al sodo: "Come disegnare nuvole perfette e luminose a matita". Lì trovi altri trucchi per modellare quelle forme e visualizzare ogni particolare.

Buon lavoro e che il cielo ti sia propizio!

Adesso che sai che le nuvole hanno un'anima, una massa e non sono banali batuffoli di cotone, le scuse sono finite!

Osservale, parti dalle forme generali, rallenta (ma non troppo che volano via!) e non disegnare quello che credi di sapere. La sfida è lanciata: riuscirai a non fare la solita nuvoletta da fumetto?

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Condividete i vostri progressi sul gruppo "Il Gioco dell'Artista - Lezioni di disegno e pittura" su Facebook (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452) per ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi!

Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

La soluzione? Beh, potresti pensare di riempire quel cielo un po' desolato con un bel po' di nuvole: luminose e varie.

Ottenere belle nuvole però non è così facile, alcuni principi utili li puoi trovare nell’articolo “4 semplici suggerimenti per disegnare nuvole realistiche“ che pubblicherò (cerca tra gli articoli). Altri te li dico proprio adesso.

Come al solito c’è da studiare!

Quando studi un soggetto, il segreto è non complicarsi la vita. La tecnica migliore è sempre quella più semplice per concentrarsi sulle relazioni di valore. Quindi useremo solo matite di grafite. Ma occhio, eh! Con lo stesso approccio, potresti benissimo sfoderare un arsenale di altre tecniche e altri materiali. Insomma, un vero passepartout per la tua arte.

Primo passo: traccia il semplice contorno della nuvola, con leggerezza

Occhio però! Attento a non calcare troppo questi contorni. I tratti in questa fase devono essere come un bisbiglio, una mappa leggera che ti indica dove stendere il colore del cielo. Non c'è bisogno di perdersi in ghirigori o dettagli fin troppo precisi. Anzi, le linee non devono essere né scure né complete: una guida, non una gabbia, per la tua matita. guarda l’immagine che segue, puoi vedere le linee non sono né scure né continue.

Attenzione a non calcare i tratti eh! Ti serve una linea-guida che sia un battito d'ali, un soffio leggero che duri il tempo necessario per accarezzare il cielo con l'ombra e poi, come per magia, svanisca nel tratteggio o con un colpo di spugna (o meglio, di gomma pane!). Quella traccia nell'immagine è un po' più marcata del dovuto, ma solo per farti vedere il punto. Nel tuo disegno, però, ricorda: più leggera è la mano, più il risultato è da applauso.

Inizia dal cielo, non dalle nuvole!

E a proposito di "spazio negativo", non la smetterò mai di battere il tamburo per sottolineare quanto sia utile!

Prendi una matita 2B e con delicatezza e inclinala in modo che l'angolo tra lei e il foglio sia un abbraccio leggero, con la matita quasi sdraiata, accarezza la carta. Così, userai il lato della mina ben temperata “a lancia” mi raccomando! In questo modo, coprirai zone più ampie a velocità della luce, a patto che la pressione sia costante (all'inizio sarà un po' come imparare ad andare in bicicletta, ma poi la matita andrà da sé, vedrai).

Vai avanti riempiendo tutto con tratti della lunghezza che ti fa sentire più a tuo agio, un po' come unire "pezze giuntate" su una coperta a patchwork.

Mentre ti diverti a farlo, potresti persino scoprire il tuo stile di tratteggio, un po' come uno scrittore trova la sua calligrafia: unico e inconfondibile.

Non devi fare il cecchino di precisione quando sei vicino alle linee del primo abbozzo. In fondo, le nuvole sono un po' come i bambini: stanno sempre in movimento, cambiano forma, si allargano o si stringono mentre danzano nel cielo. Per questo, pochissime hanno i bordi netti e affilati. Il movimento, infatti, rende i loro contorni morbidi e sfumati. E i bordi della tua nuvola? Beh, dovrebbero essere proprio così: un po' sognanti, non troppo definiti.

Procedendo col tuo tratteggio dall’alto in basso, dovresti alleggerire il tratteggio. Così il cielo si farà più drammatico ed emozionante. Dopo questo primo passaggio, puoi lanciarti in un secondo giro di tratteggio incrociato. Ora, c'è chi ti direbbe di andare perpendicolare, io, invece, ti suggerisco di incrociare a cinque o dieci gradi, giusto per dare un tocco diverso (non tutte le strade portano a Roma, e nemmeno tutti i tratteggi sono uguali!). L'obiettivo, però, rimane lo stesso: coprire ogni singolo millimetro del cielo con un velo di grafite. L'unica parte che deve brillare, bianca come una nuvola appena nata, è proprio la nuvola stessa.

Anche con il secondo tratteggio, puoi iniziare premendo di più la matita in alto, per poi, come un direttore d'orchestra che calibra il suono, alleggerire il tocco man mano che scendi. E se ti va, puoi anche decidere di fermarti prima di arrivare fino in fondo, un po' come nel primo passaggio: del resto, l'arte è libertà!

Sfuma i tratteggi fino a rendere il cielo omogeneo

Sugli strati di tratteggio che hai steso, ora entra in scena lo sfumino o il tortiglione (tranquillo, se non sai usarli o costruirli, ho già in mente un articolo apposito, Per ora comprali qui o dove vuoi!): sono gli strumenti perfetti per creare un campo di sfumature e valori così uniforme da sembrare quasi magico.

Per questa operazione, usa il lato dello sfumino o del tortiglione (sì, il lato, non la punta, quella la lasciamo per altre avventure!) e incrocia i tratteggi come hai fatto con la matita. Oppure, se preferisci, puoi procedere con tratti orizzontali, leggeri come una piuma e omogenei, senza mai "pestare" troppo.

E se vuoi dare il tocco finale, una coccola extra alla tua sfumatura, puoi levigarla ancora un po' usando un semplice tovagliolo di carta piegato diverse volte. Vedrai, il risultato sarà liscio come l'olio.

Inizia ad impostare delicatamente le forme interne della nuvola

Devi sapere che gli sfumini e i tortiglioni, mentre creano quelle magiche sfumature, raccolgono grafite come una spugna assetata, così tanta da permetterti persino di disegnare con loro! Io, per esempio, potresti addirittura iniziare a dare forma alle nuvole con una carezza leggera, sfregando le zone d'ombra con il lato "sporco" del tortiglione sulla carta.

Unisci un po', disegna un po'... insomma, prenditela con comodo, come quando assapori un buon caffè. E mi raccomando, tieni d'occhio una bella foto di riferimento, così le tue forme sembreranno naturali come nuvole vere, non come scarabocchi di un bambino.

Bene, è ora di passare alle cose serie! Partiamo dalle forme generali, le più grandi, quelle che fanno da scheletro: lì devi solo accennare, con valori leggeri, come un sospiro. Potrai rifinire, ingrassare, addobbare dopo, con tutta la calma del mondo.

Ehi, un trucco da maestro: puoi anche usare la matita 2B per buttare giù qualche nuvoletta scura in secondo piano, un po' come quelle che vedi in basso a destra. Quelle faranno da punti di riferimento per le ombre più intense. Quindi fai in modo di individuare bene i valori prima di affrontare quelli delle nuvole più grandi e luminose. Non vorrai mica rovinare tutto sul più bello, giusto?

Infine, guarda l'immagine qui sotto, è un dettaglio che ti permette di vedere la parte inferiore del disegno: lì puoi divertirti a unire matita e sfumino in un balletto di chiaroscuri, per ottenere delle ombre scure e omogenee che sono una vera goduria per gli occhi.

Siamo quasi alla fine, ed è il momento di fare un passo indietro, proprio come un regista che si allontana dalla telecamera per vedere l'intera scena. Osserva il tuo disegno nel suo complesso, come se fosse un'orchestra in cui ogni strumento (cioè, ogni parte del disegno) suona in armonia con gli altri.

Nel disegno di esempio, per dire, le ombre interne sul lato sinistro della nuvola erano un po' troppo luminose, distraendo l'attenzione dal vero protagonista. Così, le abbiamo scurite un po'. E il cielo? È stato coccolato ulteriormente con un pennello morbido, fino a renderlo liscio come la seta.

Ora dai una visione d'insieme a tutto il lavoro, preparati: è tempo di aumentare il contrasto, come si fa con la musica quando si aggiunge un tocco di grinta.

Aumenta il contrasto

Le forme sono delineate e i contrasti accesi, ora puoi continuare a dare profondità alle ombre, come un cantiniere che affina un buon vino, e magari a far brillare altre zone, quelle che vuoi mettere in luce, con una gomma bianca o una gomma pane.

E qui arriva il trucco del mestiere per le nuvole in bianco e nero: è sempre un'ottima idea rendere il cielo più scuro di quanto appaia nella realtà. Sai, la carta non è una lampadina, non possiamo farla più bianca di così, quindi l'unico modo per far splendere le nuvole è far sì che lo sfondo, il cielo, sia un po' più tenebroso, quasi un alleato silenzioso per la loro luminosità.

All'inizio, il cielo l'hai solo accarezzato con due tratteggi leggeri, quasi un sussurro. Ma ora, è il momento di far volare gli stracci e creare un contrasto più drammatico con le nuvole, come una star che si accende sul palcoscenico.

Quindi, torna sul cielo e dagli un bel colpo di buio nella parte superiore, con una matita 6B. Attento, però, a non calcare troppo, eh? Altrimenti, poi, per omogeneizzare quella zona sarà un vero mal di testa. Lavora così finché il cielo non sarà buio quanto basta

.

Subito dopo, puoi sfoderare la gomma di caucciù o la gomma pane per far brillare i punti luce nelle zone più luminose della nuvola. E già che ci sei, prova a rendere alcuni bordi belli nitidi, mentre altri li lasci morbidi, quasi accarezzati, lavorando finché il risultato non ti piace.

In certe zone, per dare un tocco in più di contrasto e far risplendere maggiormente la nuvola, puoi persino strofinare un pizzico di pigmento di grafite nelle zone del cielo con un batuffolo di cotone, come un pittore che aggiunge un velo di colore. E se vuoi il massimo, puoi rifinire il tutto con lo sfumino.

Completa con piccoli dettagli

Quando ti avvicini alla fine, il bello è fare un passo indietro, per goderti lo spettacolo. E vedere il tuo disegno nel suo insieme, ogni parte deve essere in armonia con le altre, senza stonature.

Nel nostro caso, le ombre interne sul lato sinistro della nuvola erano un po' troppo esuberanti, brillavano più del dovuto e si prendevano la scena. Così, abbiamo dovuto dare loro una bella calmata, scurendo un po'. Il cielo Lo abbiamo coccolato con un pennello morbido, fino a renderlo liscio come la seta.

Quando rappresenti nuvole, ricordati che sono creature volubili, un po' come i sogni: cambiano forma in continuazione mentre danzano nel cielo. Per questo, è raro che abbiano quei bordi affilati come lame. Anche un cumulonembo, che di solito si presenta bello massiccio, a volte ha i suoi contorni un po' sfocati e misteriosi.

Infine, se una nuvola è molto illuminata, specialmente da dietro, proietta luce riflessa in un certo numero di direzioni, un po' come un faro invisibile. Il tuo compito, quindi, è imparare a osservare e riconoscere tutti i diversi modi in cui la tua nuvola sta proiettando ombre e luce riflessa. Sarà una vera caccia al tesoro che ti farà scoprire piccoli punti salienti ovunque, come perle nascoste.

Vuoi altre risorse?

• Sul Gioco dell’artista c’è un bel tutorial, con un sacco di video su questo stesso argomento: Disegnare Nuvole Realistiche con la Tecnica del Chiaroscuro

• La settimana prossima pubblico un altro tutorial su questo argomento, riceverai la notifica e comunque lo troverai sempre cercando nell’archivio “nuvole”

  Condividi

Al lavoro, pigroni!

Avete imparato tutti i segreti per disegnare nuvole. Dal tratteggio leggero alla magia dello sfumino, passando per i contrasti da Oscar, ora non avete più scuse. Il cielo è la vostra tela e le nuvole vi aspettano. Forza, mettetevi alla prova, il capolavoro è dietro l'angolo, o meglio, tra le vostre mani!

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Condividete i vostri progressi sul gruppo "Il Gioco dell'Artista - Lezioni di disegno e pittura" su Facebook (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452) per ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi!

Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Molti di voi conosceranno già il concetto di notan, ma per chi non ne avesse mai sentito parlare, si tratta di una parola e di un concetto presi in prestito dal Giappone.

Che cosa è il Notan?

Il termine si riferisce all'equilibrio e all'interazione di elementi chiari e scuri all'interno di una composizione, sottolineando l'armonia e l'interconnessione degli opposti.

Nella cultura artistica occidentale il concetto di base è talvolta chiamato anche “massa”, “saldatura di forme” o “massa di valore”.

Metterlo in pratica

Per mettere in pratica il concetto di notan, consiglio di realizzare uno schizzo preliminare con inchiostro nero o gouache su cartone liscio o carta per acquerello, interpretando ogni dettaglio in termini di forme chiare e scure. Di solito è utile scegliere un soggetto illuminato in modo non uniforme dalla luce diretta. Usate un pennello grande e limitatevi a un minuto o due. Cercate di non impantanarvi nei dettagli.

Le parti più chiare della scena possono essere assegnate alla massa luminosa, mentre gli elementi più scuri diventano parte della massa scura. Le parti che si desidera che l'osservatore noti sono quelle con un forte contrasto. È possibile limitare i dettagli e sfumare i bordi nelle zone scure.

Come notan può aiutarti nelle tue composizioni

Il motivo per cui trovo utile un esercizio del genere è che un design tonale semplice ha un impatto molto maggiore. Si capisce a colpo d'occhio cosa sta succedendo, e si legge anche dall'altra parte della stanza o quando è ridotto a una dimensione minuscola.

Se non lo faccio, tendo a inserire l'intera gamma di valori in ogni area o, peggio ancora, a visualizzare ogni sezione dell'immagine con valori medi.

Condividi

Iscriviti ora

Il nostro cervello è una vera e propria orchestra di funzioni, un'armonia complessa dove ogni strumento, ogni parte, suona la sua melodia. Ma quando si tratta di disegnare, quest'orchestra può a volte riservarci delle sorprese, quasi come se due direttori d'orchestra, con visioni diverse, cercassero di condurre lo stesso pezzo.

Per risolvere questo conflitto dobbiamo guardare il mondo, e il nostro modo di disegnarlo, con occhi completamente nuovi!

La Danza Segreta dei Nostri Emisferi: Destro e Sinistro a Confronto

L'emisfero sinistro è il maestro della logica, l'analista preciso, quello che ama le regole, i simboli e le sequenze. Ci aiuta a fare calcoli, a leggere, a scrivere, a costruire frasi complesse. È il ragionatore, l'organizzatore, indispensabile per navigare nel mondo delle informazioni strutturate.

L'emisfero destro, invece, è l'artista intuitivo, il sognatore, quello che coglie l'insieme, la forma, lo spazio. È il direttore d'orchestra che ci permette di attraversare una strada trafficata senza dover calcolare la velocità di ogni auto al millisecondo. Non ha bisogno di simboli o sequenze logiche; la sua forza è la visione d'insieme, la percezione istantanea e atemporale. Pensate a quante volte abbiamo risolto situazioni complesse in un batter d'occhio, senza rendercene conto. Questo è il potere dell'emisfero destro in azione!

Il Nodo Cruciale nel Disegno: Quando il "Logico" Ostacola l' "Artistico"

Ora, qui sta il punto cruciale per un principiante: di fronte al compito di disegnare, spesso non sappiamo quale "direttore" debba prendere il controllo. E sapete chi tende a farsi avanti per primo? Il nostro amico emisfero sinistro, con la sua smania di classificare, simbolizzare e applicare schemi preesistenti.

C’è un esercizio che faccio fare quasi sempre a chi viene nel mio studio per imparare a disegnare. È un esercizio illuminante che mette in luce questo conflitto. Chiedo di disegnare due soggetti: una faccia a memoria e un oggetto reale posto davanti a lui (come un portanastro o una brocca). Il risultato, quasi nel 90% dei casi, è sorprendente. Il disegno della faccia appare spesso come un insieme di simboli stilizzati – occhi, naso, bocca – un po' come un geroglifico. È il nostro emisfero sinistro che, avendo già un "simbolo" di faccia immagazzinato dall'infanzia, lo tira fuori e cerca di usarlo per risolvere il problema in modo sbrigativo. Non gli importa di come sia la faccia che avete davanti, gli interessa solo applicare lo schema che già conosce.

Ma cosa succede con l'oggetto reale? Con il bricco, il nostro emisfero sinistro non ha un simbolo pre-costruito da utilizzare. Ed è qui che si verifica una sorta di "resa" del lato logico, che si inibisce e lascia finalmente spazio all'emisfero destro. Ed è proprio in quel momento che il vero disegno comincia! L'emisfero destro, quello intuitivo e spaziale, entra in azione. Inizia un processo di tentativi, di esplorazione, di coordinazione tra ciò che l'occhio vede e ciò che la mano disegna. Un po’ come quando si impara ad andare in bicicletta: si cade, si riprova, si aggiusta il tiro, finché non si trova l'equilibrio. Ed è un processo di apprendimento meraviglioso e naturale.

DALLA TEORIA ALLA PRATICA

Ti ritrovi nella descrizione del conflitto tra “logica” e “intuizione”? Il primo passo per risolverlo è avere uno strumento pratico che alleni il tuo cervello a “spegnere” l’interruttore dei simboli.

Nella Lezione sullo spazio negativo “Il Gioco dell’Artista” ti guido passo dopo passo nell’esercizio dello spazio negativo, una delle tecniche più efficaci per forzare l’emisfero destro a prendere il comando e iniziare a disegnare ciò che vedi, non ciò che pensi di sapere.

Scopri la lezione e metti alla prova il tuo emisfero destro

Liberare l'Artista che è in Voi

Quindi, il segreto per iniziare a disegnare con maggiore fluidità e realismo è imparare a far sì che il nostro emisfero sinistro "si ritiri in buon ordine" quando si tratta di osservare e rappresentare. Non si tratta di escluderlo, ma di capire quando le sue funzioni sono utili e quando, invece, è meglio lasciare spazio all'altro emisfero. Una volta che impariamo a gestire questo "conflitto", il processo di apprendimento del disegno diventa molto più agevole e gratificante.

Successivamente, il percorso si arricchisce imparando una serie di “maniere di guardare” specifiche, ovvero modi particolari di percepire gli oggetti che i pittori utilizzano istintivamente per organizzare il loro lavoro di rappresentazione. Una delle più potenti e controintuitive è quella che insegno nella Lezione 2 de “Il Gioco dell’Artista”, dove esploriamo la percezione dello spazio negativo: una tecnica formidabile per mettere a tacere l’emisfero logico e iniziare finalmente a vedere le forme per quello che sono. Ma di questo, se ne avrete voglia, potremo parlare a tempo debito!

In sintesi, imparare a disegnare significa prima di tutto imparare a far tacere il nostro critico interiore e il suo bisogno di simboli predefiniti. Si tratta di dare fiducia all'emisfero destro, quello che osserva senza giudicare, che percepisce le forme e le relazioni spaziali. È un esercizio di osservazione attenta e non giudicante, un vero e proprio "ri-apprendimento" del modo in cui percepiamo la realtà.

Non esitate a mettere in pratica l'esercizio della faccia e dell'oggetto: i risultati vi sorprenderanno e vi aiuteranno a capire meglio questa dinamica fondamentale.

Unitevi alla Nostra Tribù di Artisti su Facebook!

Volete ricevere feedback preziosi e continuare ad apprendere insieme ad altri appassionati come voi? Allora, unitevi al gruppo Facebook "Il Gioco dell'Artista" (https://www.facebook.com/groups/3070247446595452). Sentirete subito l'energia della community, il supporto e l'incoraggiamento che vi spingeranno a crescere sempre di più.

Condividete i vostri progressi, i vostri disegni, le vostre scoperte. Non c'è modo migliore per imparare che confrontarsi con gli altri, scambiarsi idee e ispirarsi a vicenda.

Fai pratica disegnando ripetutamente la stessa specie per acquisire familiarità e allenare l'occhio.

Imparare a disegnare uccelli dal vivo è tanto uno sport quanto un'arte. Gli uccelli raramente stanno fermi, quindi catturarli su carta richiede una combinazione di osservazione, buoni riflessi e una matita veloce. Puoi lavorare da foto, ma una delle soddisfazioni del disegnare uccelli dal vivo è che li conoscerai bene.

Anche se spesso passano inosservati, viviamo le nostre vite circondati dagli uccelli. Potrebbero esserci piccioni sui fili del telefono, passeri domestici nelle siepi o oche sui campi da golf. Gli uccelli sono probabilmente la fauna selvatica più visibile del mondo. Sono facili da vedere e studiare e, con la pratica, non troppo difficili da disegnare.

Condividi

Un album da schizzi, un binocolo e una matita sono i miei strumenti principali. Uso una matita meccanica: non richiede tempera, il che mi rallenterebbe. Il binocolo è ottimo se lo hai, ma se non ce l'hai, inizia con gli uccelli che possono essere avvicinati da vicino.

Cerca di non fare disegni rigidi mentre impari a disegnare gli uccelli. Invece, datti l'obiettivo iniziale di fare scarabocchi organizzati: scarabocchi con becchi e piume. Con il tempo e la pratica, i tuoi disegni diventeranno naturalmente più rifiniti, ma per ora, pensa a questo come a un nuovo modo di coltivare l'amore per gli uccelli. Ecco otto metodi che ti prepareranno al successo.

Iscriviti ora

1. Rilassati con i disegni gestuali

La silvia codarossiccia amazzonica (mi ha fatto lavorare velocemente per catturare la sua coda che si muoveva).

Gli uccelli raramente stanno fermi, quindi dovrai "far crescere" una mano veloce per stargli dietro e imparare a disegnarli. Riscaldati con spirali veloci, ondeggiamenti e qualsiasi scarabocchio senza senso che sincronizzi la tua mano con il tuo occhio. Imposta un timer e fai schizzi veloci di oggetti semplici. Prima di affrontare gli uccelli, disegna un albero, una pietra o la tua scarpa. Tralascia i dettagli e concentrati sul gesto.

2. Disegna uccelli domestici, in cattività o impagliati

Gli uccelli a riposo, come questo cigno minore allo zoo di Oklahoma City, sono buoni modelli e potrebbero persino stare fermi abbastanza a lungo da farti disegnare. Velocemente.

Ora che ti sei riscaldato, vorrai disegnare uccelli cooperativi. Zoo, voliere, mangiatoie per uccelli, stagni per anatre e preparazioni tassidermiche offrono uccelli abituati alle persone o che stanno fermi in modo permanente.

3. Disegna un uccello sul suo posatoio preferito

Gli uccelli spesso hanno un posatoio preferito. Questo dickcissel ha cantato da un palo di una recinzione della prateria per giorni e giorni, rendendolo affidabilmente facile da vedere e disegnare.

Sfrutta le abitudini di un uccello per prevedere quando e dove si metterà in posa per te mentre impari a disegnare gli uccelli. Falchi, uccelli azzurri e pigliamosche scrutano le prede da posatoi abituali, mentre un allodola dei prati o un dickcissel potrebbero cantare dallo stesso palo di una recinzione tutto il giorno durante la stagione riproduttiva. Nel mio quartiere in Oklahoma, i nibbi del Mississippi passano tutta l'estate sugli alberi vicini. Posso disegnarli dal mio posatoio preferito: una sedia di vimini sul portico anteriore.

4. Impara l'anatomia di base

Impara le parti fondamentali di un uccello e come si incastrano per dare un senso a ciò che vedi. Le proporzioni varieranno, ma l'anatomia è comune a tutti in una forma o nell'altra.

Aiuta sapere come è costruito un uccello e dare un nome alle sue parti. Dovrai capire le regioni delle piume, imparare la differenza tra le penne primarie (di volo) e le copritrici alari, e sapere cosa fanno realmente i piedi.

5. Acquisisci familiarità

Disegna lo stesso individuo o tipo di uccello più e più volte prima di passare ad altro. Disegna una serie di uccelli canori, ad esempio, e poi una serie di anatre. Rimani con lo stesso tipo di corpo per la serie. Ho disegnato questa averla cenerina nel deserto del Negev in Israele.

Impara a disegnare gli uccelli conoscendoli davvero, disegnando la stessa specie più e più volte, memorizzandola nella memoria muscolare. I tuoi disegni miglioreranno attraverso la ripetizione e la familiarità con una singola specie. Scegli un passero a una mangiatoia o un gabbiano sulla spiaggia e riempi una o due pagine. Fai studi sulla testa. Allenati a vedere come l'occhio si relaziona al becco e come i piedi afferrano un ramo. La prossima volta che disegnerai, sarai in grado di "sentire" se il tuo disegno è giusto o meno.

6. Il metodo del "fermo immagine"

Qui ho "congelato" ogni uccello nella mia mente. Per alcuni secondi, potevo vedere l'immagine vagamente mentre disegnavo, e poi aggiungevo altre linee a ogni sguardo successivo. Gli schizzi sopra mostrano uno stormo misto in cerca di cibo nell'Amazzonia peruviana.

Questa è una buona tecnica per imparare a disegnare uccelli in movimento (o quelli che sono solo un po' irrequieti). Ecco come funziona: aspetta che l'uccello assuma una posa, quindi "scatta" una foto mentale chiudendo gli occhi stretti per "fissare" la posa nella tua testa. Apri gli occhi e fissa la carta. Con un po' di pratica, l'"immagine fantasma" dell'uccello fluttuerà per un secondo o due. Disegnala prima che si dissolva. Quindi, guarda di nuovo l'uccello. Ha punte appuntite sulla coda? Strisce sul petto? C'è un motivo sulla sua faccia? Continua a guardare e disegna le cose man mano che le noti. Mi piace scrivere note di colore e comportamento a lato del disegno.

7. Il metodo del contorno cieco

Tieni l'occhio sull'uccello mentre muovi la matita sulla carta. Il vantaggio qui è che non perdi di vista l'uccello. Dopo le prime linee, continua ad aggiungere al disegno finché l'uccello non vola via o assume una nuova posa. Ho disegnato questo momoto beccolargo a Panama.

I requisiti principali qui sono pratica, fiducia e senso dell'umorismo. Ecco come funziona: guarda dritto l'uccello con la matita posizionata sulla carta. Non distogliere lo sguardo dall'uccello mentre disegni. Dopo alcuni istanti, controlla la carta per vedere cosa hai disegnato. Riprendi a guardare l'uccello, aggiungendo altre linee al disegno. I risultati potrebbero essere un po' imprevedibili, ma puoi catturare molta personalità e vita usando questo metodo mentre impari a disegnare gli uccelli. Inoltre, è divertente (gioco di parole voluto), qualunque cosa tu ottenga.

8. Disegna con l'aiuto di un video o di una webcam

Ho realizzato video al rallentatore di oropendole codagialle che si battevano in una palude di Panama, realizzando schizzi da cui dipingere Oropendole codagialle (olio su tela, 50x40 cm) in studio.

Gli studi sul movimento da uccelli registrati o in live streaming sono ottimi per quei momenti in cui non puoi stare nella natura. E, naturalmente, puoi premere "pausa" quando vuoi. A volte collego il mio iPhone a un telescopio da campo con una tecnica chiamata digiscoping, che mi permette di ottenere più pose da un singolo video e di osservare un uccello muoversi naturalmente.

Le webcam che trasmettono da luoghi inaccessibili come i nidi di aquile e le remote colonie di pulcinelle di mare sono risorse divertenti. Ecco due delle mie preferite: The National Audubon Society Puffincam e Canopy Family Panama Fruit Feeder cam. Buona osservazione e disegno di uccelli!

Letture aggiuntive

Per saperne di più, consiglio The Laws Guide to Drawing Birds di John Muir Laws (Heyday Books, 2015) e Drawing and Painting Birds di Tim Wootton (Crowood Press, 2011).

DEBBY COTTER KASPARI è un'artista, scrittrice e naturalista che disegna e dipinge uccelli dal vivo. I suoi disegni sul campo sono stati esposti al Museum of American Bird Art e i suoi dipinti sono stati esposti alla mostra "Birds in Art" del Leigh Yawkey Woodson Art Museum. Kaspari ha creato opere d'arte in Medio Oriente con l'organizzazione per la conservazione Artists for Nature e ha collaborato con biologi di tutto il mondo. Scopri di più e guarda altre sue opere sul suo sito web drawingthemotmot.com.

Adesso al Lavoro!

Abbiamo esplorato insieme otto tecniche fondamentali per catturare l'essenza degli uccelli su carta, svelando come l'osservazione attenta e la pratica costante si intrecciano nel cuore del disegno.

Ora, con queste preziose strategie in mano, è il momento di intraprendere il tuo personale viaggio artistico. Non temere di sperimentare con il disegno gestuale, di 'congelare' le pose nella tua mente, o di affidarti al metodo del contorno cieco. Ogni schizzo, ogni linea, ogni studio anatomico che realizzerai è un passo avanti nella tua crescita come artista.

La bellezza del disegno, così come quella degli uccelli che tanto ammiriamo, risiede nella sua capacità di catturare non solo la forma esteriore, ma anche la vivacità e l'energia interiore. Quindi, prendi la tua matita, esci all'aperto (o guarda un video!) e lascia che la tua arte prenda il volo, guidata dalla tua passione e dalla tua visione unica.

Inviate i disegni sul gruppo Facebook 'Il gioco dell'artista” per ottenere un riscontro: https://www.facebook.com/groups/3070247446595452.

Iscriviti ora

Volete di più?

Iscrivetevi alla mailing list de “Il Gioco dell'Artista” per ricevere esercizi, consigli personalizzati, consultare un archivio di tutorial ed esercizi speciali.

E soprattutto, potrete entrare a far parte di una community di appassionati come voi. Condividete i vostri lavori, chiedete feedback, confrontarvi con gli altri: è così che si cresce, insieme.